Un grupo de adolescentes recibía unas serias instrucciones
por parte de Lola, la taquillera. La sala estaba llena y no se podías sentar
todos juntos y debían mantener silencio y molestar lo menos posible. La sala fue
llenando, pero no se escuchó ni una mosca después de que comenzará la película,
La momia de Lee Cronin. Me imagino
que más que por respeto por lo que veían en pantalla. Digo esto porque no es
fácil que nos escuche un comentario, una broma, etc. en una sala repleta de
público joven.
Hay que achacárselo a lo que veían en pantalla, un horror
tras otro, desde el principio hasta el final.
La película de Cronin se llama La Momia, pero podría llamarse
con más tino "El exorcista" dada la proximidad temática sin dejar de
ser original, pero en el cine de terror hay que elegir entre una de las dos
vías, la de la continuidad o la de la originalidad. Un filme estrenado este año
pasado "Weapons", por ejemplo, apostaba por la segunda vía, la de la
novedad.
La momia es una eficaz película de terror, sigue los modelos
clásicos, pero aplicando algo que no debe faltar en el género: poca luz y
efectos especiales. Cronin elige una falso remake sobre la tradición (las
películas múltiples desde la primera "momia"), para pasarse al género
de las posesiones y exorcismos. No renuncia a los orígenes egipcios ni en lo
físico ni en lo mítico, pero luego se decanta con eficacia hacia un drama
familiar y el exorcismo, por la posesión diabólica. Luego se rompe el espacio
original con una inmersión en Nuevo México, que es donde se produce la parte
intensa del terror.
De esta forma, el director y guionista realiza una fusión de
géneros y espacio, de Egipto actual al Oeste norteamericano, del relato mítico
al drama familiar, un elemento bien trabado que le da densidad psicológica.
Excelente fotografía y una banda sonora de infarto, llena de
ruidos y efectos sonoros como para poner los pelos de punta al más sereno,
mezclado con cosas de The Band y otros sonidos ambientales de la época.
La película cuenta con la eficaz presencia de la actriz española Laia Acosta en el papel principal de la madre.
Si le gusta sufrir con palomitas, La momia de Lee Cronin es
una buena elección. Los críticos y el público la han valorado bien, algo que no
es fácil dentro del género.
La momia de Lee Cronin 2026
Director:
Lee Cronin
Guionista:
Lee Cronin
Intérpretes: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natlie
Grace, Verónica Falcón, May Elghety...
Las
adaptaciones de clásicos suelen ser polémicas. Lo son porque luchan contra algo
que es amado, contra algo que nos ha gustado anteriormente, contra un recuerdo
enquistado. En el caso de Cumbres
borrascosas, la lucha en doble: contra una novela amada y una película
clásica, con actores que hicieron época.
Como ha
ocurrido con el reciente Frankenstein,
de Guillermo del Toro, la lucha con el pasado es una dura batalla.Pero estas batallas son necesarias cuando el
gusto y la cultura de la que se alimenta cambian en el tiempo. El movimiento
cultural es una suma de relecturas, de adaptaciones constantes a los cambios
que el propio tiempo produce.
La
pregunta, por tanto, es: ¿es el Cumbre
borrascosas de Emerald Fennell una relectura adecuada a los tiempos que la gestan?
Se trata de dilucidar si se trata de una lectura correcta (sea lo que sea esta)
de una novela que fue mal leída en su momento, pero que fue creciendo hasta
llegar a ser a una de las cimas literarias de la lengua inglesa y, por
extensión, de la novela moderna. ¡Curioso destino el de las hermanas Brontë,
encerradas en su casa por los prejuicios patriarcales y produciendo la más
importante literatura de su época... percibidas desde otra!
En los
últimos tiempos algo ha cambiado. Lo percibimos en las lecturas distintas de
ciertos clásicos. Es un signo de que necesitamos nuevas interpretaciones para
mantener el fondo.
Cumbres borrascosas, de Emerald Fennell, es una
lectura de hoy, lo que gusta a unos y molesta a otros. Es claramente un
proyecto personal que engloba tanto a la dirección y guión de Fennell, que
tiene una muy buena trayectoria de éxitos, y es un proyecto personal de
producción e interpretación por parte de Margot Robbie, otra sólida y valorada
actriz.
En sus
manos Cumbres borrascosas tiene
personalidad y empaque, también valor, porque enfrentarse a un clásico
consolidado no es fácil. Y lo han hecho a sabiendas del riesgo, algo que
también hay que valorar.
En el
terreno cinematográfico, Cumbres borrascosas se mueve entre una forma
naturalista y la abstracción visual, lo que determina su estilo. Pasamos de los
primeros planos expresivos de los actores a la construcción de encuadres
sofisticados que nos hacen mantener las distancias. Se busca nuestra
implicación y, a la vez, nos distanciamos en un ejercicio estilístico complejo.
Los
actores están soberbios. Tanto Robbie como Jacob Elordi transmiten el
apasionamiento de un amor que se vuelve condena y resulta odioso para quien lo
contempla, que somos nosotros, conocedores del malentendido y de las fuerzas
negativas que lo producen y sostienen. Es el uso del amor para hacer daño lo
que vertebra el filme, lejos de cualquier idealización. De las distancias
sociales a las personales, Cumbres borrascosas puede calificarse de muchas
formas, menos de romántica. Y en esto se nota el paso del tiempo, en un
distanciamiento casi brechtiano respecto a cualquier idealización del amor, que
pasa a ser carnal y vengativo, incontrolable y destructivo.
El Cumbres
borrascosas de Emerald Fennell es un mundo sin idealizar, sin la idea vieja de
que el amor libera, como se puede ver a través de un personaje esencial, el de
Isabella (¡magnífica Alison Oliver!), que nos da las claves del fondo y permite
comprender el alcance maléfico de los planes amorosos y vengativos de
Heathcliff con quien tiene una escena cumbre, que nos muestra el control y la
misoginia del personaje.
Buena
fotografía y buena música nos acompañan a lo largo de la proyección, dando
forma a lo que pasa a ser un recital interpretativo, tanto en la contención
como en el exceso, en la franqueza como en la doblez de los personajes, como en
el caso de otro gran trabajo de Hong Chau, que interpreta a Nelly.
Resaltar
la fascinante fotogenia de Jacob Elordi en todas las dimensiones del personaje.
Sabe construirlo con su sola presencia. Esto implica un gran trabajo en la
selección y dirección de los actores, un trabajo notable de la directora.
En su
conjunto es un trabajo notable, que podemos valorar por sí mismo o por su
destrucción de convenciones y clasicismo. A lo mejor nuestra idealización romántica se resiste a ver esta manera de mostrarnos un amor destructivo.
Cumbres
borrascosas (2026)
Directora:
Emerald Fennell
Guionistas:Emerald Fennell, según la novela de Emily
Brontë
Intérpretes:
Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Alison Oliver, Martin
Clunes...
Anaconda es la típica película en la que la gente sería nunca
reconoce haberse reído. Yo me he reído y la mayoría de los espectadores en la
sala también. Puede que haya dejado de ser serio o que quizá no lo fui nunca,
solo lo aparentaba.
La
película es una obra que se ríe de sí misma, de sus personajes y del mundo del
cine, tres niveles que cuando se reúnen van añadiendo riesgo uno a uno.
En su primera
mitad, la película funciona como una comedia convencional. En la segunda mitad nos
tienen reservado un ejercicio de comicidad autodestructiva, con varios puntos
en los que se superan las barreras cómicas del gag sin temor alguno. Es aquí,
en estos picos, donde nos reímos con más ganas, dejándonos caer por la rampa
que se nos ofrece. Lo verosímil deja de ser un obstáculo y nos dejamos arrastrar.
Resistirnos no tiene sentido y es mejor salir de la sala.
Podríamos
pensar que es una película hecha al azar, dejándose llevar por los problemas,
tal como se nos propone en la ficción, pero en el cine siempre es engañosa la
apariencia de improvisación, y si Anaconda
funciona es porque está meticulosamente calculada.
La
misma elección de los actores trabaja en el sentido de dar protagonismo a
actores que no son habitualmente protagonistas, lo que les permite sentirse adecuadamente
como divos de pacotilla para mayor disfrute de los espectadores y probablemente de ellos mismos. La verdad es
que están todos ellos perfectamente metidos en sus papeles y cumplen su función
de equilibrio en el grupo, como debe ser en una comedia que se precie.
La
película tiene un trabajado guión bajo su apariencia disparatada y la realización
de Tom Gormican es ajustada para llevar el ritmo adecuado tanto en el humor
verbal como en los gags visuales.
En este
falso reboot de un filme ya existente,
Anaconda (Luis Llosa 1997), sus
referencias a él son constantes y ya nos define a los personajes, deseosos de
alcanzar el éxito en sus fracasadas vidas, algo que pretenden cambiar. En el
cine no solo sueñan los espectadores, sino los que aspiran a producir sus
propios sueños.
Cabe
señalar que la Anaconda de 1997 apenas tiene un 2,9 en FilmAffinity, mientras
que está, el "reboot", sobrepasa el 5 y el 6 en la IMDB. ¡Ironías de la vida!
El
guión está firmado por el propio Gormican y por un guionista que ya ha trabajado
anteriormente con él, Kevin Etten, con experiencia en series televisivas mayoritariamente.
Merece
destacarse la música estupenda de Dave Fleming que acompaña perfectamente las
peripecias y los paisajes del filme. La fotografía de Nigel Bluck también nos
deja secuencias de enorme belleza y calidad, especialmente en un par de las
nocturnas en la jungla.
Anaconda resulta divertida de ver porque es una
película que se mete en todos los berenjenales y los sortea. Las personas serias,
como decimos, le dirán que no se han reído, pero dé por seguro que lo han
hecho. Será pronto un clásico para ver en casa con los amigos un sábado de
lluvia.
Anaconda
(2025)
Director:
Tom Gormican
Guionistas:
Kevin Etten & Tom Gormican
Intérpretes:
Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn, Thandiwe Newton, Daniela Melchior...
En
estos tiempos de remakes y secuelas, de enésimas partes cuyos inicios se pierden
en la noche de los tiempos nos llega este singular filme "Predator:
Badlands" que, pese al número de precedentes, se nos presenta como
novedoso, algo que no es fácil de encontrar.
La película cuenta con tres elementos únicos: un buen guion,
una buena dirección y Elle Fanning, que es una muy buena combinación. Lo demás
son efectos especiales de buena factura y justificado por la historia que se
nos cuenta.
Ha sido buena idea de los guionistas meter al predator en una historia familiar de
clanes y competencias que nos muestran que Sigmund Freud también tenía razón
fuera de la Tierra. El conflicto logra algo a lo que se dedica la primera
parte, a humanizar al extraño y ponernos en su lugar, algo que no era fácil
dados los antecedentes fílmicos de la saga. Sin embargo, se consigue, nos
metemos en su cochambrosa piel y sufrimos con él la aventura.
La película logra un equilibrio entre el drama familiar, casi
un drama griego, y el filme de acción, de combate constante llevado con buen
ritmo y planificación.
Pero el peso del filme lo tiene Elle Fanning, que nos da
nuevos motivos para seguir siendo devotos admiradores desde que la vimos en
aquel lejano "Súper 8" (J.J. Abrams 2011) donde daba un recital interpretativo
con unos poquitos años.
¿Cuántas actrices habrían aceptado el papel/es de Fanning,
el de Thia? Muy pocas o desesperadas. Leído, sobre el papel, sonaría increíble
e inasumible. Sin embargo, la actriz da el contrapunto a todo el mundo bárbaro
que existe a su alrededor. ¡Y todo porque a algún programador se le fue la mano
con los "sentimientos" para entender o empatizar con las salvajes criaturas
del planeta!
El guion de "Predator: Badlands" es una pura
locura, pero un locura que se cree a sí misma, con fe,que se nos ofrece atónitos desde
la pantalla y ¡funciona! Es una demostración que la fantasía solo necesita no
buscarle demasiadas explicaciones, sino que los que la montan se la crean.
¿Por qué no van a tener los predators los vicios de los conflictos familiares y los
"sintéticos" una programación emocional? Todo lo que se nos muestra
entre luchas tiene su propia lógica. A ello contribuyeElle Fanning con su talento interpretativo, a
dar forma a lo que apriori nos hace levantar una ceja escéptica ante el
argumento.
Predator: Badlands es un ejemplo de cómo la fe en lo que se
hace es necesaria para llegar a buen término.
Nos quedan muchas cosas de este filme, entre otras cosas una
sonrisa por cómo se han desarrollado los acontecimientos.
Predator:
Badlands (2025)
Director: Dan
Trachtenberg
Guionista:
Patrick Aison, Dan Trachtenberg, Jim Thomas
Intérpretes:
Elle Fanning, Dimitrius Schuster-Koloamatangi, Ross Duffer, Michael Homik, Matt
Duffer, Stefan Grube...
Esta película es una obra maestra para casi todos y un
aburrimiento para Carlos Boyero, algo bastante habitual. Lo que no me parece
habitual es la insistencia en las críticas en qué es “muy divertida”, algo que
afecta a mi sentido de la diversión.
En realidad, lo que la película nos presenta como ficción
es un acercamiento a la realidad subyacente de los Estados Unidos de
Donald Trump, como lo era otra película reciente “Guerra Civil” (Civil War,
Alex Garland 2024).
El cine, como otras artes, puede vincularse con el mundo
en que se da de muchas maneras e incluso ignorándolo se define. Hay películas que
viven de espaldas al mundo, al igual que otras tratan de ser documentos del
presente y dejar testimonio. Otras eligen un camino más complejo, advertir de
dónde nos lleva el presente anticipando el futuro. Creo que “Una batalla tras
otra” (Paul Thomas Anderson 2025) entra en ese último supuesto. Es una
radiografía del futuro.
Si se parte de ese supuesto, maldita la gracia que se le
encuentra a una sociedad en la que el supremacismo blanco campa a sus anchas,
está organizado y se considera un crimen haber tenido relaciones con alguien de
otro color; una sociedad en la que se puede matar impunemente tras ser decretado por un grupo que decide sin control alguno, militar o paramilitar, que aquí
viene a ser lo mismo. ¿Dónde está la gracia?
La película de P.T. Anderson anticipa el recorrido de una
sociedad que se encamina al totalitarismo pasando por el supremacismo blanco
como eje principal. Se parte de un grupo de revolucionarios que se deshizo en su momento y
que vuelve a ser perseguido pasado el tiempo.
Que haya cierto grado de caricatura en algunos personajes
no supone una “diversión” sino una forma de crítica a lo que representan. Es
una forma de “distanciamiento”, no un cambio de género. Muestran las
incongruencias de su forma de ser y pensar.
Lo terrible del filme es que no puedes dejar de ver en
pantalla lo que has visto horas antes en los noticiarios, en esa realidad de la
que está prohibido hablar por las amenazas de ser declarado antiamericano o,
peor, terrorista, un etiquetado cada vez más frecuente en los Estados Unidos.
La película surge de la novela “Vinelad” (1990) del muy
injustamente olvidado Thomas Pynchon. Se recogen en ella los proyectos clandestinos del
FBI para deshacerse de los grupos revolucionarios desde los años cincuenta en
adelante.
En el artículo firmado por Juan Manuel Vial, con el
título “La macabra lucidez de Pynchon” (Revista UDP 09), se apunta un dato de
interés:
Las conspiraciones descritas en los libros de
Pynchon no son, como pudiera pensarse en un primer instante, producto de una
imaginación enfurecida y desatada. Allí, enese rasgo
perturbador, radica uno de los más grandes placeres de leer a Pynchon: su
inventiva afiebrada no se desboca a la hora de describir conflagraciones; las
conflagraciones están y siempre estarán ahí, a tiro de piedra. Leer a Pynchon
implica calibrar la paranoia del que escribe y, luego, en mayor o menor grado,
comenzar a sentirla en carne propia. Es sorprendente el número de personajes
secundarios reales (o si se prefiere “históricos”) que animan las ficciones de
Pynchon, así como también lo es el llamativo número de complots genuinos,
aunque no muy conocidos, que el escritor plasmó en sus novelas. Tras leerlas,
siempre persiste una macabra interrogante: ¿y si Pynchon estuviera en lo
cierto?
Creo que es una lúcida idea. Puede que Pynchon
aplicara el sarcasmo a sus personajes y textos, pero es probable que lo que
atrajo a Paul Thomas Anderson para realizar esta película fuera precisamente la
pregunta que el presente nos deja: ¿y si Pynchon estuviera en lo cierto?
Cada adaptación, cada remake habla a su
tiempo con palabras de hoy. Anderson seleccionó el texto de Pynchon porque le
decía algo sobre el hoy. De esta forma nos habla con un presente inquietante,
el de esa América trumpista.
Una batalla tras otra no es una película divertida; es una buena
película. Es meticulosa en su trama para evitar ser malinterpretada. Los
actores crean sus personajes desde lo que representan, más que desde lo que
son. Son piezas en un juego conjunto del que importa el mosaico formado. Es
importante esta supeditación de lo individual al conjunto para evitar que se
pierda el efecto buscado, que creo que es algo patente en esta obra.
Los actores funcionan bien, tanto los veteranos
como los noveles. DiCaprio, del Toro, Penn y Regina Hall componen sus
personajes desde la experiencia, con grados de histrionismo variable. Para los
nuevos, se reserva otra forma de actuación. Estupenda la joven Chase Infinity, que pasa a ser el eje de la historia.
Creo que, con la excepción de Boyero, la crítica ha sido unánime. Se trata de una película ácida (no divertida, que maldita la gracia) sobre un mundo posible, cada vez más posible.
Una batalla tras otra (2025)
Director: Paul Thomas Anderson
Guionista: Paul Thomas Anderson, Thomas Pynchon
Intérpretes:Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro, Teyana Taylor, Regina Hall, Chase Infiniti...
En
estos tiempos de remakes, secuelas y precuelas, se agradece una película tan
sumamente original como es esta Weapons,
firmada por el director Zach Cregger, que se hace cargo además del guion y de
la música. Todo ello nos hace comprender que estamos ante una película
personal, entendiendo aquella que es fabricada en sus detalles esenciales, por
más que el cine sea un arte colectivo y complejo.
Esto se
agradece más en un género que busca distanciarse de sí mismo, es decir, romper
con las expectativas que llevamos acumuladas por películas de terror, después
de las cuales es difícil que no te metan en una línea determinada.
Gran
parte del atractivo de Weapons es que no sabes por dónde te va a llevar, algo
que es de agradecer en un género que debería basarse en la sorpresa que casi
nunca ocurre. No sé si llevamos demasiado cine en las espaldas y es difícil no
repetirse. Pero de Weapons puede decirse que logra ser una película original,
que nos tiene en tensión porque no sabemos con qué nos vamos a encontrar en la
siguiente escena.
A esto
contribuye el excelente guion, un guion de gran complejidad, atípico en su
estructura y calculado al milímetro, en el que todo encaja.
En las
películas de terror te piden que no cuentes el final, algo que también se
saltan aquí, ya que son ellos mismos los que te lo cuentan en las primeras
frases que se nos dirigen. Pero tiene su propia lógica que esto ocurra, ya que
el filme, por decirlo así, no va hacia el final, sino al principio. Esto solo
puede hacerse con un guion construido con la precisión de un reloj suizo (de
los de antes).
El
guion nos va dando información que se completa en distintos momentos del filme, por lo
que vamos comprendiendo lo que no comprendíamos en el momento adecuado para la
evolución del conjunto.
Ajustada
a lo que el filme requiere, la oscura fotografía de Larkin Seiple. La oscuridad
casa bien con el género y el mundo que se nos describe.
Impecables
los actores, de la estupenda Julia Garner al veterano Josh Brolin, que forma
parte de los productores de la película y al que suponemos fue fácil enganchar
para el proyecto tras la lectura del guion. Los demás actores dan la talla,
incluido el niño Cary Christopher, que borda su papel.
Cregger
sabe dar el protagonismo a los personajes en esta historia discontinua que
juega con un principio básico que se suele olvidar con demasiada frecuencia: lo
inexplicable es inexplicable.
Una muy
grata sorpresa en la cartelera veraniega. Durante la proyección no se escucha
un alma en la sala. Solo una persona salió al baño.
Desde
sus dos películas anteriores sobre ciencia-ficción, el director alemán Tim
Fehlbaum da un salto a una complejísima realidad, la de la masacre producida en
Múnich durante las Olimpiadas de 1972, con la toma de rehenes israelíes por
parte de un grupo terrorista árabe.
Es
imposible ver esta película sin pensar en el mundo actual. Por más que se ocupe
de un hecho del pasado, el espectador vive en el presente y es hijo de su
tiempo. No puede haber distancia, por
decirlo así; el presente interfiere constantemente con lo que contemplamos. Y
el presente es evidentemente, la guerra de Gaza con sus secuestros de israelíes
por parte del grupo Hamás. Nadie puede obviar el presenta
La
película es un ejercicioriguroso de subjetividad en un sentido posicional:
el punto de mira se sitúa en el equipo de televisión de la cadena norteamericana
ABC, que es quien estaba en ese momento, en ese día, cubriendo las Olimpiadas.
La
película nos ofrece dos tipos de imágenes, las que ocurrieron ante las cámaras,
los hechos captados hasta donde pudieron ser recogidos e interpretados sobre la
marcha; yun segundo tipo, las que nos
muestran las decisiones de los periodistas deportivos enfrentados a la
incertidumbre de lo que pueden mostrar y de lo que pueden creer de las
diferentes fuentes, incluidas las oficiales, que manejan. El mundo, ofrecido en
directo, está sujeto a las limitaciones, malentendidos, manipulaciones, y esto
es algo a lo que se tienen que enfrentar. No se trata de contar algo que ya
sucedió, sino algo que está sucediendo, un flujo que han de interpretar,
decisiones que han de tomar.
Desde
el punto de vista cinematográfico, la película es espléndida. Lo es
especialmente en su montaje, en la forma en que el recorte de los planos va
reconstruyendo un mundo cada vez más cerrado, centrado en lo que se puede ver
en las pantallas y en los profesionales que miran tratando de adivinar qué es
lo que ven.
Nos
dicen al final de la película que fue la primera vez que se transmitió un acto
terrorista por TV y nos dan el datos de los millones de espectadores de todo el
mundo que lo vieron. Se introduce la reflexión de los propios profesionales de
la información sobre si aquel acto se está haciendo precisamente para sus ojos,
para los de sus espectadores, un problema que se inició entonces y que sigue
ahora en un universo más mediático. Hay un momento en el que se preguntan por
cómo lo estarán viendo aquellos que no disponen a principio de los 70 de
televisores en color.
Efectivamente,
el "espectáculo" terrorista contará desde ese momento con el cálculo
del público que va a tener y la autocrítica de los profesionales sobre si la
atención prestada es el verdadero motor de las muertes.
En lo
interpretativo, el filme —alemán— se hace con un reparto sólido, integrado por
los profesionales norteamericanos, que son los que están en los estudios de la
ABC en la Olimpiada. Creíbles todos ellos, al haber hecho una película sin
estrellas, por decirlo así, con lo que es más fácil evitar el distanciamiento
de la historia. La integración en la película de los materiales informativos del
momento, es decir, lo que el mundo vio en aquellas horas, lo acerca a lo
documental integrado. Es uno de los logros de la película, mostrar esa conexión
con lo producido entonces.
La
fotografía de Markus Förderery el montaje tienen especial relevancia para la creación tanto del
ritmo como de la situación psicológica del grupo. La música refuerza la tensión
vivida.
La
película es compleja en lo histórico y reflexiva sobre lo que significa contar en
un mundo en marcha, desconociendo el final, frente a lo que supone conocerlo
hoy, en 2025. Quizá se nos muestra el tránsito de contar lo que ocurre a la
producción de una "realidad" ad hoc para ser contada.
Es una
película con muchos valores desde el punto de vista de lo que supone informar e
informar en un mundo, como el de entonces, incapaz de enfrentarse a una
situación nueva —de las noticias a la actuación policial— y de lo que supone
ser hoy espectador en esta "sociedad del espectáculo", de las post
verdades, de bulos y desinformación.
Joaquín Mª Aguirre (UCM)
Septiembre
5 (2024)
Director:
Tim Fehlbaum
Guionistas:
Moritz Binder, Tim Fehlbaum, Alex David
Intérpretes: Peter
Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin, Leonie Benesch, Zinedine Soualem, Georgina
Rich, Corey Johnson, Marcus Rutherford...
Demasiado “vital” para ser solo una película, una ficción, pues trata de indagar sobre
la vida misma, sobre sus oscuridades y sinsentidos. “A real pain” es tan
desconcertante que no se han atrevido a traducirle el título, dejándolo como
algo exótico, cuando en realidad
habla de lo que vivimos cada día, de cómo podemos llegar a ficcionalizar el dolor para ignorarlo.
La película es un trabajo personal, escrito, dirigido y protagonizado por
Jesse Eisenberg, al que estamos acostumbrados a ver en papeles de lo más variado.
Esta vez se ha metido en un auténtico reto, una película que diríamos extraña por lo
natural, sincera por afrontar algo que hace mucho que no vemos en las
pantallas: el dolor cotidiano, el real, aquel del que apenas se habla.
El argumento es sencillo: dos primos, casi hermanos, que vivieron juntos
gran parte de su vida y ahora están separados en circunstancias muy distintas. emprenden un “tour judío” sobre el holocausto, un viaje por su Polonia, el origen familiar. Su abuela, superviviente de un campo de concentración, acaba de
fallecer en Estados Unidos, donde emigró, y ellos quieren visitar su residencia polaca. El tour está integrado por un pequeño grupo de judíos de muy diverso
origen al que se añade la pareja de primos.
Los primos tienen un comportamiento muy diferente y pronto vemos cómo uno
de ellos, un soberbio Kieran Culkin, un actor que va de los Razzies a los
Globos de Oro, empieza a imponer su personalidad agresiva y seductora,
manipuladora, frente al primo interpretado por el propio Eisenberg, que vive en
Nueva York, donde tiene un trabajo y una familia estable, a diferencia de su
compañero, que no tiene soporte alguno.
El viaje "turístico" se acaba convirtiendo en un recorrido emocional entre los dos
primos y en un recorrido sobre la convencionalidad del dolor, como el que supone su
conversión en “tour” turístico, guía incluido. La película se mueve entre ese dolor real del
que habla el título y el dolor convencional, escénico en que ha convertido el
holocausto.
La película se sigue con interés a través de la relación familiar y de
ambos con el grupo. Es a través del desvelamiento de lo que la convención
impone como vamos viendo ese dolor oculto que finalmente se manifiesta.
Hay que valorar muy positivamente la labor triple de Eisenberg, como actor,
guionista y director. Ha sabido combinar las tres facetas en un proyecto
personal, que es lo que necesita el cine norteamericano para salir de tanto
trabajo inútil. Esta es una película “barata” en costes y “rica” en sus logros.
Es un empeño de actores en buscar algo que les haga sentir vivos en sus papeles
o trabajando para los compañeros. Cada vez es más frecuente encontrarnos con
proyectos como este en el que también contamos con Emma Stone en la producción.
Rodada casi en su integridad en Polonia, en los sitios reales, la película
ahonda en esa gran escena final en la propia incongruencia humana, en su necesidad de
buscar lo que cubra ese dolor real, al que alude el titulo. Es en el
levantamiento de esas capas que cubren el dolor de la soledad de lo que trata la película.
Buen uso de la música para crear en fondo del sentimiento que la película comunica. La película sabe ser simbólica, como toda obra de arte digna de tal nombre, y realista, cotidiana.
Magistral secuencia final, que sirve en su sencillez para hacernos entender
el destino de los personajes y del propio ser humano. Una película sobre el dolor y la soledad.
Joaquín Mª Aguirre
A
real Pain (Jesse Eisenberg 2024)
Dirección
y guión: Jesse Eisenberg
Fotografía: Michal Dymek
Intérpretes:
Jesse Eisenberg, Kieran Culkin, Will Sharpe, Jennifer Gray, Kurt Egyiawan,
Ellora Torchia...
Escrita
y dirigida por Roger Eggers, Nosferatu (2024) es una gratísima sorpresa que ha
conseguido poner de acuerdo a casi todo el mundo y si alguno no ha querido
sumarse a la mayoría ha sido probablemente por ese malsano y narcisista deseo
de llevar la contraria que aqueja a cierta crítica.
El Nosferatu de Eggers es un clásico súbito. Esto no es fácil cuando
te enfrentas a hacer un filme que proviene de un pasado glorioso, aun que
desconocido. Nosferatu fue un clásico moderno ya en 1922, una referencia
histórica en la construcción del género de terror antes de que se escucharan
gritos en la pantalla y solo se oían entre el público. Murnau enseñó a tener miedo
y creó su propia línea de terror alejándose de otras formas vampíricas. Los
vampiros siempre han estado ahí en la historia del cine, pero elegían sus
referentes. Werner Herzog lo sacó de la tumba con el rostro de Klaus Kinski.
Ahora
Eggers nos trae un nuevo Nosferatu con nuevos aires de clasicismo. Hay que
explicar qué queremos decir con "clásico". No hay imitación de lo
anterior, sino algo destinado a ser imitado, lo que lo convertiría en algo
nuevo, algo muy difícil cuando jugamos con los viejos género, como es el de
terror. En estos géneros se producen pocas rupturas, pero el Nosferatu de
Eggers, más de cien años después de Murnau, nos trae un aire nuevo en lo viejo
y nos sorprende y deleita. No es fácil después de haber visto matar a vampiros,
después de haberlos visto morir, de haberlos visto seducir, bajar escalinatas y
subir a balcones. Eggers consigue que todo esto nos parezca nuevo, recién
creado y visto y, sin embargo, ha pasado mucho desde que Bram Stoker escribiera
Drácula y el primer vampiro nos asustara desde la pantalla.
Este
Nosferatu es una historia distinta y que se nos muestra de distinta manera.
Puede que otros subgéneros del terror no estén tan vinculados a los espacios,
pero el género vampírico lo está. Eggers lo sabe y por eso el espacio es el
primer gran protagonista, lo que quiere decir que debe ser fotografiado de
forma especial. Los espacios vampíricos son, claramente, dormitorios,
castillos, criptas, sarcófagos, etc. que deben ser tratados de una forma
específica, a diferencia de otros personajes del género de terror que no los
necesitan tan fuertemente.
En el caso de este filme, no se trata de la
arquitectura, sino de la fotografía y la iluminación. Obsérvese con detalle esa
secuencia que hemos visto decenas de veces, la llegada de Thomas Hutter (Nicholas Hoult) al castillo.
La entrada no es por su propio pie sino que ha de esperarle en un punto un
carruaje fantasmal que lo llevará hasta la puerta. Obsérvese cómo está tratada esa magistral
secuencia y nos daremos cuenta de cómo funciona la película, no solo con lo que
vemos, sino con lo que sabemos. La magia de la película es funcionar como si no
se hubieran visto las películas de vampiros, pero sabiendo que las hemos visto.
Allí
donde, por ejemplo, se centra en el vampiro la narración, en este Nosferatu es
solo un conjunto de signos, que van de las sombras a esas manos angulosas, a una voz, a
pequeños fragmentos,... Eggers sabe que queremos ver a ese ser horrendo
y fascinante. La línea del Nosferatu siempre ha jugado con la "monstruosidad"
del monstruo, pero Eggers lo deja en manos de algo cada vez más ausente en el
cine, la imaginación constructora.
Si se
pueden alabar muchas cosas en el filme, no podemos dejar sin anotar la
extraordinaria interpretación de Lily-Rose Depp. Todo esto se sostiene haciendo
con ella lo que se nos escatima con el monstruo. Su interpretación es de un
realismo extremo que nos fascina y pervierte en lo que es una enloquecida historia
de amor. La intensidad de las fases por las que pasa el personaje de Ellen
Hutter nos impide apartarnos del detalle, que la actriz borda en todo momento.
Una candidata al Oscar, sin duda.
Otro
trabajo actoral sobresaliente es el del siempre variado y sorprendente Nicholas
Hoult, algo a lo que nos tiene acostumbrado desde sus más tierna infancia.
Probablemente no haya un actor actual que haya interpretado papeles más
diversos, siempre con convencimiento y profesionalidad desde su infancia.
Son
muchas las virtudes del Nosferatu de Roger
Eggers. Quizá la principal sea mostrarnos que los clásicos pueden convertirse
en nuevos clásicos desde el respeto y el amor al cine. Según nos indica la
IMDB, el filme tiene ya 20 premios y más de 90 nominaciones, No está mal y es
solo el principio.
Joaquín Mª Aguirre
Nosferatu
(2024)
Dirección:
Roger Eggers
Guionistas:
Roger Eggers y Henrik Galeen
Fotografía:
Jarin Blaschke
Intérpretes:
Lily-Rose Depp. Nicholas
Hoult, Bill Skarsgård, Aaron Taylor-Johnson, Willem Dafoe, Emma Corrin...
Por
diversas circunstancias no había logrado ver "La infiltrada", de la
directora Arantxa Echevarría. Afortunadamente se mantiene en cartelera y lo
hace porque, sesión tras sesión, el público acude a verla. Esto dice mucho de
una película española en cartel, en las que suele ser el boca a boca el que
funciona cuando está al margen de esos títulos seriados con los que el cine
español sobrevive. Es pues una buena noticia que siga en cartel porque el
público va a verla. Y va a verla con razón.
Es
interesante que el cine español, que fue muy político un par de décadas, vuelva
a revisar la vida política de nuestro país para mostrarnos que hay cosas que
han cambiado y que otras siguen igual ("Soy Nevenka", Icíar Bollaín
2024). Es también interesante que sean mujeres las que están en la vanguardia
de nuestro cine, cuando ese "nuestro" ha significado mayoritariamente
una visión masculina. Tanto en el caso de Bollaín como en el de Echevarría, al
que podríamos añadir el de Estibaliz Urresola Solaguren, con "20.000
especies de abejas" (2023) y algún otro nombre, es una visión del mundo de
mujeres y con mujeres en el centro, como ocurre en estos filmes. Es una buena
noticia y sobre todo es un refresco de la mirada, que nos renueva este mundo
que vemos a través de la pantalla.
Luis Tosar, Carolina Yuste y Arantxa Echevarría
La
infiltrada es un filme político, es un filme de acción y es también un análisis
del funcionamiento de la mente femenina en una situación en la que tiene que
sobrevivir. El personaje principal no es solo una policía infiltrada luchando
contra ETA, es una mujer en un mundo donde el poder es masculino, prepotente,
autoritario. Allí donde hay psicología en el personaje de Arantxa /Mónica, hay
luchas de poder de diversos tipos, rivalidades, egos. Ella es otra, la
infiltrada, a la que se le repite que nunca se le reconocerá mérito o valor
alguno pues "no existe" y lo que haga "nunca ha ocurrido".
Muy buen
trabajo de Carolina Yuste, capaz de dar vida a ese personaje que debe ser de
una forma ante unos y de otra ante otros, finalmente ante sí misma, como
testimonia ese grito silencioso con el que se manifiesta dramáticamente la
tensión interna. Es la imposibilidad de estallar ante nadie, la soledad
absoluta, solo compartida por su gato.
El
trabajo de los actores, una vez resaltado en de Yuste, se debe centrar también
en el de Luis Tosar, contenido y dotado de una interioridad que se debe
manifestar oculta, pero perceptible.
También
hacen un trabajo muy meritorio los actores Íñigo Gastesi y Diego Anido en su
papel de etarras de diverso pelaje. Pedro Casablanc y Nausicaa Bonnín cumplen
también con sus papeles en el lado policial.
Si hay
alguna pega a la película quizá se pueda hacer a trazo grueso con el que están
dibujados algunos personajes, empeñados en mostrarse de una manera más plana,
frente a la riqueza de los personajes con un trazo emocional más rico. No
impide la evolución de los personajes principales y sus fases.
La
realización es muy buena. Sabe cómo detenerse en el detalle psicológico,
emocional, y cómo gestionar la acción cuando se requiere, pues es ese tránsito
el que define la película.
Arantxa
Echevarría está acumulando experiencia y sabiduría cinematográfica en sentido
narrativo y visual. Necesitamos este tipo de direcciones cinematográfica, gente
que sepa mirar y hacernos ver, capaces de afrontar esta compleja historia
española, tan maniquea a veces, tan en blanco y negro, sin matices.
La
infiltrada se mueve bien en esos tres terrenos señalados. Gracias al trabajo de
Carolina Yuste, la historia mantiene su eje narrativo y su mirada. Saber
trabajar los silencios y los diálogos, algo que ya ha acreditado y que ha hecho
que trabaje con Echevarría en sus anteriores obras, formando uno de esos tándem
que el cine forma de vez en cuando, en este caso, entre actriz y directora que
sabe escribirle los papeles y moverla en pantalla.
La infiltrada es una película en la que no se nota el
paso, que seguimos al ritmo que nos marca. Eso suele ser una buena señal.
Joaquín Mª Aguirre
La
infiltrada (2024)
Directora:
Arantxa Echevarría
Guionistas:
Arantxa Echevarría, Amélia Mora
Fotografía:
Javier Salmones, Daniel Salmones
Música:
Fernando Velázquez
Intérpretes:
Carolina Yuste, Luis Tosar, Íñigo Gastesi, Diego Anido, Pedro Casablanc y
Nausicaa Bonnín, Víctor Clavijo...
